Posmodernidad – Conclusiones

La comprensión personal sobre lo que se entendió como teoría de la posmodernidad, es la apertura a una heterogeneidad, puesto que en la modernidad o incluso antes de ella, se llegaron a considerar elementos u objetos como únicos y universales. En cambio, en base a lo que se ha investigado en este semestre, se puede llegar a la conclusión de que existe  la posibilidad de variación de resultados.

Un ejemplo de ello, dentro del ámbito artístico, lo podemos encontrar en la implementación de la participación del espectador en el arte. Puesto que ahora que se considera necesario que el espectador opine e interactúe con la pieza, se crea una apertura hacia obtener diversas interpretaciones sobre una misma obra. Interpretaciones que serán definidas por el contexto que cada espectador-participante contenga en si mismo. Con lo que podemos notar, que la pieza se verá influenciada conforme a las experiencias y entendimiento que se creen en cada momento, corroborando que “las historias cambian según quien las cuente” mencionado por Alexia (2014) en su publicación Simultaneidad “Diferentes Puntos de Vista”.

De igual manera, la importancia que la tecnología presenta de acuerdo a estas investigaciones, permite la ampliación de este heterogeneidad. Para mencionar un ejemplo, se investigó sobre las obras de arte, incluso los museos, dentro de internet. Algunos de los cuales, los visitantes a la pagina tenían la posibilidad de intervenir directamente sobre la pieza por medio de la red. De esta forma, al igual que la participación directa y física, su opinión permite un mayor significado de la pieza, puesto que, de acuerdo con Fabiola (2014) en su publicación Apropiación en la era digital, “Nuestro entorno cultural siempre domina en nuestras ideas, nuestro contexto genera que el arte sea una respuesta de nuestras necesidades sociales”. El uso de internet, nos permite crear una comunicación con los demás visitantes a las paginas, creando un diálogo, por ende, una interacción y una relevancia hacia esas diversidades.

Ante lo mencionado, podemos observar como se da paso a que la obra de arte se encuentre abierta a diversas interpretaciones y conceptos, con lo cual, la importancia de cada contexto toma relevancia, dejando de determinar un punto de vista, el del artista, como único perteneciente a la obra.

Como conclusión, el posmodernismo se entendió como un cuestionamiento hacia lo determinado, hacia lo que se considera como único. Este cuestionamiento permite la apertura hacia esas posibilidades de representaciones, explicaciones y contextos, cuestionando esa veracidad y totalidad a la que se vieron sujetos distintos objetos y pensamientos. De acuerdo con Laura (2014), en su publicación El Mundo no es un Equilibrio en Armonia, “el mundo no solo se compone de armonía, también hay caos, desastre, horror, asimétrica; lo peculiar, lo diferente, lo singular, lo torcido.”

https://objetoposmo.wordpress.com/2014/09/18/el-mundo-no-es-un-equilibrio-de-armonia/

https://objetoposmo.wordpress.com/2014/09/19/simultaneidad-diferentes-puntos-de-vista/

https://objetoposmo.wordpress.com/2014/10/17/apropiacion-en-la-era-digital/

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Espectador-Participante

A través de la obra de Rafael Lozano Hemmer, se pudo observar una constante participación del espectador. A raíz de ello, se logró considerar la gran importancia que tiene el espectador, puesto que ahora, es un elemento necesario para que la obra pueda considerarse completa. A base de lo anteriormente descrito, se dirige esta linea de investigación, la cual considera relacionar los cambios entre el artista, el espectador y la pieza de arte. De igual manera, surgen las preguntas: ¿que cambios conlleva dentro de la pieza este nueva forma de involucrar al espectador? ¿Cual es la función del artista en este tipo de piezas?
Tradicionalmente, en las obras de arte se buscaba que el espectador solo tuviera frente a la obra un momento de contemplación y observación. Al igual, era necesario que la pieza se encontrará en completo aislamiento (Isaza, 2011), para que así, solo fuera el espectador con la obra, sin la influencia de más personas u objetos, de manera que se generara una intimidad. Por otro lado, actualmente en las obras que requieren de la participación del espectador, se necesita la participación de varios, y no de cada uno como individuo sólo con la pieza. Con lo cual, se genera una comunidad al crear esta convivencia con los demás en este intercambio de diálogos, interpretaciones e ideas. De esta manera, la participación permite experimentar la pieza “como un sujeto vivo antes que como un objeto sin vida” (Kuspit, 2006).

Dentro de la noción de la participación del espectador en la obra de arte, podemos encontrar la posibilidad de generar diversos resultados en una sola pieza. Esto, debido a que el espectador se da cuenta que la pieza va construyéndose en base a la interactividad que él, junto con otros, tiene frente a la obra. Con lo cual, la variedad de cada resultado depende de los tipos de espectadores que influyan en ella y depende del contexto del cual forme parte cada uno de ellos. Por lo tanto, podemos considerar que la pieza presenta diversos momentos únicos, al igual que se obtienen diferentes experiencias conforme a cada aquí y ahora.
A partir de la forma en que se involucra al espectador, la visión del artista cambia. El artista ahora provee las ideas y las herramientas, a través de las cuales, genera la curiosidad para experimentar con la obra, logrando que el participante se involucre. Al mismo tiempo, puede atraer incluso a un publico de temprana edad, lo cual nos remontaría a la noción de crear diversos tipos de lecturas e interpretaciones dentro de la obra. Por otra parte, el artista también tiene el papel de generar esa comunicación a base de dominios de elementos, para transmitir el mensaje. De esta manera, la pieza no esta a la deriva, puesto que el artista cumple como una especie de guía, la cual va dirigiendo al espectador (Eco,1978).

Lo interesante aquí, es ver como también tiene importancia el entorno dentro de la creación de una pieza que requiere interacción. Puesto que éste tiene que ser un lugar propicio para que esa interacción sea realizada y un entorno que invite al espectador a interactuar con la obra. Al mismo tiempo, tiene que haber una conexión entre la interacción del espectador con el propósito de la obra y la relación de por qué ese especifico lugar en que la obra se lleva a cabo.
Por otra parte, se comentó que a partir de que es necesaria una interacción dentro de la obra, se asume que ésta no se completa sin el espectador. Esta característica la podemos relacionar con el proceso de creación de una obra. Por ejemplo, el artista proporciona la oportunidad al espectador para este pueda considerarse a si mismo como artista, puesto que él modifica e influye en ella. Esto se presenta al momento que el participante decide como interactuar sobre ella, teniendo la oportunidad de jugar con la obra y decidir cual será su final estético. Al mismo tiempo, esta decisión, puede quedar inmortalizada, por ejemplo, por medio de una fotografía. Esta idea, nos da la posibilidad  de que cualquiera puede ser artista.

Un ejemplo de este tipo de arte, en el que se llegó a requerir de un participante, es el Situacionismo, en el que, uno de sus objetivos, era que por medio de la interacción y la comunicación con el otro, se generara una experiencia única, que a la vez, tenía la posibilidad de generar una extensión del conocimiento.
Aquí un poco mas de información sobre ese movimiento:

http://situaciones.info/revista/la-vanguardia-no-se-rinde-guy-debord-y-el-situacionismo/

Otro ejemplo, seria la creación de piezas en la red, en las cuales, se invitan a los usuarios a formar parte de ella y así poder tener esos distintos resultados que cada mente puede generar, un ejemplo de ello es la siguiente pieza de Lozano Hemmer:

http://www.lozano-hemmer.com/vectorial_elevation.php

Por otro lado, siguiendo con las obras de Lozano Hemmer, observamos que involucra sus piezas con la tecnología. Este tipo de piezas y la interacción a través de ellas, pueden crear la noción de que la pieza esta terminada, puesto que se forma una invitación para que el público valla y genere una situación en la que no solo observe una pieza, sino que interactúe con ella. Pero, tal vez no habla de una pieza terminada, sino de una pieza que se puede considerar inconclusa, puesto que necesita de la participación para poder ser concluida. Ante esto, la pieza en si misma, sin ningún tipo de interacción sobre ella, no funcionaria. Por lo cual, cabe la posibilidad que la pieza por si sola, en el museo, no se considere como arte. Lo anterior, puede ser contrario a la manera de percibir las piezas que se consideran concluidas, al momento de no necesitar de ninguna participación.

En general, podemos observar e interpretar que existe una expansión mental y reflexiva en cuanto a cada individuo que participa dentro de este tipo de obras de arte. Por lo cual, a pesar de existir una colectividad, no deja de haber interacción individual-personal con la obra. Podemos decir que existe un reconocimiento ante nosotros mismos dentro de la interacción de la obra, puesto que se considera una “experiencia de sentido que modifica al que lo experimenta” (Isaza, 2011).

Una contraparte de lo que se considera como cambio histórico de la pasividad del espectador a la participación del mismo, es cuestionada por Rancière(2010), el que argumenta que siempre ha existido una participación del espectador dentro de la obra, puesto que la mirada, no es un agente pasivo, y el propio espectador, podía generar sus interpretaciones, a pesar de que estas no fueran consideradas como parte de la obra. A pesar de ello, podemos notar que en la mayoría de las veces, al hablar de un participante en lugar de un espectador, este implica lo que es su cuerpo como medio de esa interacción, pudiendo ser un punto característico de esta noción de cambio de la que se habla.

Para finalizar, Popper (1989) hace mención sobre las consecuencias que se pueden presentar en algunas piezas de arte que conlleven esta característica de participación, puesto que menciona que la obra de arte se ha ido deteriorando progresivamente, el artista ha funcionado mas como un mediador que como un creador y que la obra de arte  no se muestra concluida sino que se muestra abierta. Podemos decir, que estas características pueden presentarse en algunas obras, pero estas no se consideran como un hecho característico de este tipo de arte.

Referencias bibliográficas.

Eco, Umberto, (1978). El Problema de la Obra Abierta, (pp. 157-164) En Antología Textos de Estética del Arte. Vásquez, Adolfo. México: Universidad Nacional Autónoma de México.

Popper, Frank, (1989). Arte, Acción y Participación. Madrid: Ediciones Akal (pp. 9-12).

Isaza, Maria. “Espectadores Inmersos en la Obra de arte Contemporanea”. Arquetipo. 10 Agosto 2011:86-94

Rancière, Jack, (2010). El Espectador Emancipado. España: Ellago Ediciones (p.p 7-29)

Kuspit, Donald, (2006). Arte Digital y Video Arte. Madrid: Ediciones Pensamiento

Miembros del equipo:
Yessica Aime Ponce Quintero
Paloma Natalí Rincón Jurado

Línea de Investigación

La línea de investigación que se escoge en este ciclo, es ideada a partir de la interacción que presenta el espectador en las piezas de Lozano Hemmer. A partir de esta característica, se evidencía un cambio en el espectador frente a la obra de arte, en la cual, se busca que el espectador ya no solo observe la obra, sino que interactue con ella, pasando a ser un participante.  Esta línea se investigará, con la finalidad de adquirir un conocimiento sobre el cambio que se presenta a partir de esta característica en el arte, su significado y la relación entre el artista y el espectador.

Posibles lineas de investigación – Lozano Hemmer

Tres posibles lineas de investigación:

  • El cambio que se presenta en el espectador.

El espectador ya no solo es aquel que va, observa y analiza las obras y se retira. Sino que se convierte en participante, por lo cual, este tiene que intervenir, formando parte esencial  en el proceso de conceptualización de la obra. Ante ello, se considera que la pieza se presenta de una manera incompleta, para poder ser completada por el espectador-participante.

  • La tecnología dentro del arte.

Las relaciones y los cambios dentro del arte a partir de la implementación de la tecnología avanzada, entiéndase por programas,  sistemas operativos, etc. Con las cuales, la pieza puede ejercer actividades por si sola, sin la necesidad de una constante intervención del artista en la pieza expuesta.

  • El arte fuera de los museos.

La idea de presentar el arte en cualquier espacio fuera de un museo o galeria, que conlleve una interactividad y una nueva planeación de donde colocarlo y qué es lo que se colocará, buscando un motivo para ese lugar en específico.

Reproductibilidad en el Arte. Ways of Seeing a Ways of Something.

En Ways of Seeing (1972), John Berger nos explica los cambios que se presentan a partir de la reproductibilidad del arte. Estos cambios, son explicados desde la perspectiva de como entendemos las cosas, a partir de la experiencia que tengamos frente a la obra y a partir del significado que como espectadores le concedemos a ésta. Por otra parte, Ways of Something (2014) aparece presentándonos de nuevo una reproductibilidad del arte, pero siendo fundada en una visión contemporánea, la cual nos muestra diversos trabajos e interpretaciones de 30 artistas visuales, que abarcan la pieza a partir de la existencia de internet y la gran cantidad de imágenes que se encuentran en él. Ante este caso, podemos notar la presencia de la difusión y reproductibilidad de imágenes, que ha sido expandida por medio del internet. Esta expansión,  ha cambiado, afectado y generado nuevas maneras  de ver y percibir el arte.

La reproductibilidad, se presentó en un principio de manera física, con lo cual, el arte se vio sujeta a diversas interpretaciones y cambios de su significados. Benjamin (2003) consideraba que conforme a este fenómeno, el arte perdía su aura, característica la cual estaba relacionada a cierto ritualismo hacia ella, forjandola como una pieza única e irrepetible. Este valor, cambiaba por un valor de exposición, con el cual, la obra de arte, comenzaba a ser caracterizada por la capacidad de exponerse en diversos lugares, cuantas veces fuera posible, sin perder el objetivo de una experiencia estética hacia el espectador.

Por otro lado, actualmente la reproductibilidad ya no solo se presenta de manera física, sino que ésta también está presente de manera digital. Una estrategia de reproductibilidad de obra de arte, por medio de internet, es la creación de museos virtuales. Ante estos, la obra presenta una variedad de accesos, y de tipos de accesos, es decir, el espectador de la obra ya no solo será aquel que se encuentra en el lugar donde ésta está físicamente, sino que, se puede tener una variedad de espectadores a través de todo el mundo. Con esta variedad de espectadores, la obra puede tener una interpretación que conlleve tanto el contexto donde ésta se presenta, como una variedad de contextos que se encuentran presentes en esa variedad de espectadores a través de internet.

A partir de ello, vemos la búsqueda de públicos variados y diversos, con los cuales, las obras puedan tener un contenido mas extenso, debido a las interpretaciones y construcciones de ese público. Con lo que se abre la posibilidad de un diálogo más expandido, presentando nuevas formas de experiencias frente al arte, en las cuales, ya no solo se mostrará una información como única y verdadera, sino que, la variedad de interpretaciones, serán validas para que el espectador entienda la pieza.

En este ámbito, los museos virtuales se presentan a nosotros como una expansión del museo, donde su propósito, según Quijano (2012) ya no es solo informar sobre información especifica del museo.  Actualmente, su propósito se dirige a una expansión en la interactividad de diversos espectadores-visitantes, para adquirir una mayor riqueza interpretativa. De esta manera, los museos virtuales se presentan como una expansión cultural.

No se trata de suplantar al publico físico, sino que se trata de armar un conocimiento a partir de esa variedad de publico, en el cual, ya este no solo tiene la función de observar, sino que ahora es invitado a interpretar. Pasando de ser un mero espectador, a formar parte como participante en la obra. Ya no  es solo es la autoridad del artista o curador, sino que el espectador también juega un papel importante.

Como conclusión, vemos que la manera de ver y percibir el arte, ha cambiado conforme a esa búsqueda de interactividad y conjunto de diversas interpretaciones. Creo que aquí, el espectador, tiene la función de definir o considerar que es y que no es arte, y como esta manifestación es tomada en la sociedad. De acuerdo a Del Río (2012) se abre la posibilidad de que cualquier cosa pueda ser arte, siempre y cuando, se presente una reflexión y una función critica hacia cierto tema, que contemporáneamente, en su mayoría, es social.

Aqui unos ejemplos de vídeos sobre museos virtuales en la red:

Benjamin, Walter. La Obra de Arte en la Época de su Reproductibilidad Técnica. México: Editorial Itaca, 2003.

Del Río, José. Telos 90, Cuadernos de Comunicación e Innovación. Museos de Arte en la Red. España: Fundación Telefonica, 2012.

Quijano, Mario. Telos 90, Cuadernos de Comunicación e Innovación. La Revolución de los Museos y las Instituciones Culturales. España: Fundación Telefonica, 2012.

Argumento Central, Ways of Seeing a Ways of Something

En Ways of Seeing (1972), pudimos observar y escuchar a John Berger hablar sobre la reproducción en el arte y el cómo este factor a cambiado y alterado la experiencia y el significado de la obra, conforme a cada espectador. Al momento de pasar Ways of Seeing a Ways of Something (2014), se nos presenta un hecho más contemporáneo, el cual conlleva la existencia de internet y la gran cantidad de imágenes que existen en él. Debido a ello, la reproducción del arte a llegado a presentarse en grandes cantidades en nuestros días.

A partir de la reproductibilidad, tanto física como digital, la obra de arte deja de ser exclusiva a cierta elite social o a cierto lugar en particular. Permitiendo que ésta sea observada, analizada e interpretada en diferentes lugares y contextos. Una prueba de ello, es la existencia de museos virtuales, los cuales, nos muestran abiertamente las obras de arte que se encuentran dentro de ellos, e incluso, nos permiten pasear e informarnos de cada obra, como si estuviéramos presentes físicamente en el museo.

Pero el que la obra de arte se permita ser reproducida conllevaba una serie de cambios de nociones en cuanto al arte en sí. Según Walter Benjamin(2003), a partir de esta reproductibilidad, la obra de arte pierde su aspecto aurático, para pasar a tener un valor de exposición, en el cual, la obra comienza a ser caracterizada por esa capacidad de ser expuesta en diversas ocasiones, cuantas veces sean deseadas. Ante esto, se pierde su noción de única e irrepetible, pero  ésta sigue fungiendo su propósito estético hacia el espectador. Por lo tanto, podemos observar que la manera de ver y comprender el arte, a cambiado conforme a su difusión, pudiendo presentar diversas consecuencias que pudieran ser tanto positivas como negativas.

Benjamin, Walter. La Obra de Arte en la Época de su Reproductibilidad Técnica. México: Editorial Itaca, 2003.

Ways of Seeing a Ways of Something

La linea de investigación que se pretende explorar es sobre el cambio en la manera de ver el arte a partir de la reproducción de imágenes, por medio de la cual se puede llegar a una extensa información de ellas, tanto de manera digital como de manera física. Esto ideado a partir de la lectura Museo sin Paredes, en la cual, nos informa sobre diversas y extensas paginas web de museos, las cuales contienen fotografías de las piezas que se encuentran en determinado museo y la información de cada una de ellas. Con la existencia y el uso de estas paginas, prácticamente puedes visitar el museo estando donde tu quieras. Esta investigación será realizada con el fin de explorar las diferencias que estas reproducciones han traído al arte y como el arte es visto a partir de ellas.

Ways of Seeing – Ways of Something

En un principio, se llego a la conclusión de que ningún argumento cambiaba al momento de recrear Ways of Seeing en Ways of Something. Pero, después de una segunda revisión a ambos vídeos, se pudieron visualizar ciertos cambios conforme a los argumentos.

En Ways of Seeing, se menciona que el ojo puede estar en un solo lugar a la vez, y que la cámara extiende este factor. En nuestros días, con el internet, esta noción de solo ver una sola cosa a la vez, cambia. Puesto que gracias a él, nos podemos enterar y visualizar diversas cosas, de diversos lugares, en un lapso que en realidad es corto. La representación de esta noción, podría ser que en ciertos vídeos de Ways of Something, aparecen varias imágenes de manera muy rapida, aludiendo a toda la información que podemos recibir y la rapidez con la que se hace.

Otro de los argumentos de Ways of Seeing, es que nosotros vemos la imagen conforme se nos instruya que la veamos. Parte de esta peculiaridad es que esta instrucción incluye el sonido y movimiento, como factores de cambio. En Ways of Something, la generalidad de este argumento se rompe al momento de mostrarnos, en algunas ocasiones, imágenes que no tenían relación a lo que escuchamos. De cierta manera, esto podría estar ligado a otro argumento que nos habla sobre el significado de las cosas, mostrándonos que no siempre se tiene que tener un significado único detrás de un objeto, que nosotros formamos el significado conforme a nuestro contexto. A la misma vez, pudiera ser que un objeto o pieza en si, no tenga un significado concreto, sino que este dependa de la interpretación que nosotros tomemos sobre ella.

Como conclusión, creo que Ways of Something cuestiona el sentido de generalidad que se llega a mostrar en Ways of Seeing.

Dos realidades : los que tienen poder y los que no (el 1% y el 99%) – Investigación

La situación social actual, cuenta con una teoría sobre el 1% y el 99% de la sociedad, entendiendo el 1% como los que están al mando de los poderes económicos incluso relacionados a lo político, y el 99% como la sociedad. La película Cosmopolis (Cronenberg, 2012), nos concede una representación de esta situación, al utilizar una limosina, como medio protector de un miembro en especifico, considerado representante del 1%. Las relaciones que se dan entre esta limosina, y su personaje a proteger, llamado Eric, nos explican esa condición en la que la realidad es diferente para  un 1% y para un 99%.

Dentro del capitalismo, se han construido poco a poco las bases del poder para el 1%, a través de la mercadotecnia y de la obtención de capital. De esta manera,  este poder a determinado el curso de nuestra historia, puesto que lo característico de nuestra sociedad, es el surgimiento y empleo del sistema capitalista. La manera de control, y de mando que representa este 1%, recae en el 99%, puesto que el 99%, dentro de este sistema, es el utilizado para crear capital y generar ganancias y beneficios, de los cuales la mayoría de ellos van dirigidos a la minoría. Al mantenerse en el poder, el 1% no se mezcla con el 99%, permaneciendo en una especie de burbuja, en la cual, ellos se protegen y viven de manera distinta a la sociedad, tal como nos lo representa la limosina al momento de mantener a Eric dentro de esa protección, apartado de la sociedad, tomando decisiones a espalda de ella, sin siquiera ser percibido por su largo paseo a través de la ciudad.

La presencia de la dominación de uno sobre otro, se puede observar conforme a la historia del capitalismo, en la cual, se llegó a un punto en que lo que se quería lograr era un consumo para obtener ganancia, pero después de años, el consumo excesivo, se volvió amenazante hacia el propio capitalismo, puesto que causo una desconexión entre la producción, el empleo, los ingresos y la inversión. A partir de ello, se cambio estrategia de procedimientos, y se presento la explotación del trabajador, en la cual este sigue produciendo de manera constante, pero su paga se reduce significativamente, al final, este mecanismo se emplea para poder sostener el capital, y no generar grandes perdidas al 1%. De nuevo, podemos ver que, como en parte de la película, el 1%, Eric, no se presenta afectado ante estas situaciones.

Ahora, en Cosmopolis no se centra mucho en el 99%, puesto que su interés está en el efecto del capitalismo y el 1% en si. Pero considero necesario hablar sobre el papel que juega el 99% en esta situación, de la cual, la película nos muestra un par de protestas por parte de este grupo, comprobando la diversa realidad del uno y del otro. Según Habermas (1999), las instituciones y los procedimientos de democracia son una estrategia para  que ciertas decisiones del gobierno se adopten sin ser consideradas por los ciudadanos. Ante esta problemática, se comienza a referir al 99% como una lealtad de masas, con lo cual, se hace entender que la sociedad a cedido de cierta manera ante estos abusos, siendo distraída de ellos por medio de diferentes maneras.

Con esto, se da a entender a la  masa como dormida, como una “mayoría silenciosa” (Baudrillard, 1978) por todos esos años de consumo, de explotación, desigualdad en cuanto a clases, y de nuestra fidelidad hacia el sistema, e aquí el porque se le llega a llamar a la ciudadanía como pasiva. Sin embargo, se considera necesario no generalizar ante esta característica. El 99%, o parte de ello, a dado muestras del descontento social por medio de huelgas, marchas y manifestaciones. Pero a pesar de estas acciones, aun cabe la pregunta, ¿Realmente esto hace cambiar al 1% ?, ¿Al menos lo hace reaccionar?. Creo que en medida, esto es representado en la película, al momento de que la limosina, pasa en medio de una huelga, en la cual, ésta como objeto, se ve dañada, pero Eric, su interior, ni siquiera se preocupa por ello, ni siquiera lo detiene en ese momento.

Desconozco un mecanismo especifico para lograr la reacción ante un descontento, pero, es curioso el conocer que colectivos artísticos o artistas particulares, generen polémica dentro de una sociedad, la cual hace su lucha por expresarse y hacer cumplir sus necesidades. Pudiera deberse a la influencia que tienen estos artistas en los medios de comunicación, por los cuales llegarían a la masa, dando paso a mayor descontento y aumento de manifestantes. Siendo por este motivo o no, tenemos ejemplos de personas que incluso han sido perseguidas por autoridades debido a su protesta latente. Un ejemplo de ello es el   grupo Voiná, que se revela en contra de la autoridad rusa, teniendo un conjunto de acciones en critica hacia ella y al gobierno de Vladímir Putin, por la cual, miembros de su grupo han sido encarcelados y nombrados como de los mas buscados. He aquí un par de vídeos sobre sus acciones y un articulo sobre ello:

http://www.saboteamos.info/2011/06/13/10-videos-de-acciones-memorables-del-grupo-de-arte-voina/

http://www.unitedexplanations.org/2011/10/13/colectivo-voina-en-rusia-el-arte-contra-el-regimen/

Otra manifestación artística, en contra del sistema especifico de un país, podría ser el artista Ai Weiwei, que critica y pone en cuestionamiento la manera de funcionar del gobierno chino, su dictadura, por medio de las cuales, genera piezas, que de cierta manera desafían al gobierno. En este caso, es impresionante ver el como unas piezas, pueden generar la reacción de un sistema gubernamental, llegando a desaparecer al artista y liberarlo después de un largo tiempo. Ante este secuestro, encontré una protesta de Ai weiwei hacia el abuso del que sufrió.

https://www.youtube.com/watch?v=4ACj86DKfWs

http://www.theguardian.com/artanddesign/2013/may/22/dumbass-ai-weiwei-music-video

Para terminar con ejemplos de arte impulsando el descontento, se presenta al grupo punk ruso Pussy Riot, liderado por mujeres, en el cual, protestan ante el mismo gobierno que lo hace Voiná, pero tambien, tocan temas relacionados al papel de la mujer en Russia, y al feminismo. Creo que esta noticia explica bien su situación:

Pero al igual, existen movimientos que atentan contra el sistema, como occupy walk street, movimiento 15-M, y en nuestro país, yosoy132, que han generado polémica, arrestos y violencia, por hacer notoria, la decadencia de un sistema.

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Para regresar con el enfoque del 1%  y del capitalismo en la película, siendo Eric, el representante, podemos observar que conforme al termino de la historia, el y su alrededor, su protección, se deterioran y se vuelven frágiles. Siendo esta una característica del capitalismo, puesto que se ha aceptado, que esta cuenta con varias contradicciones en sus diversas estrategias, las cuales, funcionan al momento de ser implementadas, pero no perduran demasiado, destruyéndose a si mismo. Un ejemplo de ello es de lo que se hablaba al principio del escrito sobre la explotación y baja de sueldos, el cual, tiene la contradicción de que, debido a la baja de salarios, ¿quien seguiría consumiendo en igual potencia?, presentando así, su propio descenso. Esta destrucción, que puede abarcar parte del 1%, también arrastra al 99%, puesto que queda claro que ella tiene que ser lo que no deje caer al capitalismo completamente. De esta manera, de nuevo, el 1% define el curso de nuestro modo de vida.

Referencias bibliográficas.

Baudrillard, Jean. A la Sombra de las Mayorías Silenciosas. Barcelona: Editorial Kairós, 1978.

Habermas, Jürgen. Problemas de Legitimación en el Capitalismo Tardío. España: Ediciones Cátedra, 1999.

Husson, Michel. “Argenpress.info” Teoria de las ondas largas y la crisis del capitalismo contemporaneo. 25 Mayo 2014 <http://www.argenpress.info/2014/05/la-teoria-de-las-ondas-largas-y-la.html > (8 Septiembre 2014)

Husson, Michel. “Sin Permiso” Capitalismo Tardío y Neoliberalismo: una Perspectiva de la Actual Fase de la Onda Larga del Desarrollo Capitalista. Enero 2012 <http://www.sinpermiso.info/articulos/ficheros/ondas.pdf> (8 Septiembre 2014)