Mi teoría de la posmodernidad

Al tratar de resumir todo lo que hemos visto durante toda la clase y volverlo un escrito de lo que he aprendido abordando las tres obras que llegamos a analizar me di cuenta que uno de los temas recurrentes era la tecnología, la tecnología como la mejora de la calidad de vida o como una extensión del ser humano como lo aborda Laura en  “La delgada línea entre el robot y el humano” y como se generan maquinas que simulen actividades humanas para suplir los deseos humanos sin complicarse, o cómo la tecnología te permite intervenir con todo lo que te rodea, no solo la realidad o la interacción con las personas, sino que también te permite replantear cosas hechas por alguien más, como la reapropiación que plantea Alejandra en su reporte final de Ways of something , en el que las nuevas tecnologías te permiten reapropiarte de obras de alguien más, con la posibilidad de degradar el aura del as mismas por dicha intervención, o también podríamos contar con como la devoción de la tecnología y esa dependencia que tenemos del software como lo aborda la película Cosmópolis, (Cronenberg, 2012), un estudio de esto lo hace Juan en su escrito “Cosmópolis y la concepción divina de la tecnología”  en donde explica que hemos sido seducidos por la tecnología a tal grado que la creemos mágica, como esos slogans sobre ciencia en donde “si lo crees puede ser posible”, sin embargo, dentro de las posibilidades se me hacía igual de interesante abordar las tres piezas por los modos de la representación artística, hablar de los museos, de cómo en “Cosmópolis” la limusina generaba este aspecto de ser el espacio de reunión que te permite la contemplación, Francisco dice en su escrito “la concepción del espacio” que “Un museo por ejemplo, es un espacio que se habita momentáneamente, para que el usuario haga el recorrido, contemple las piezas etcétera. La función del museo es resguardar objetos de arte o mostrar arte a los visitantes”. Yo empato esto con la posición de la limusina en el filme, ya que es un lugar en el que se habla de arte y se contemplan piezas, como los miles de performance de los manifestantes, en ways of something por ejemplo podía abortar el hecho de que la red es ahora un museo sin paredes, un espacio para la contemplación, en donde puedes hablar de arte y hasta educar, pero que no es ni siquiera un lugar específico en la realidad porque es virtual, forzándolo un poco podríamos relacionarlo con el escrito final de Yesica, que habla de cómo la propagación de las imágenes en internet genera que estas se den a conocer y genera un espacio cultural, sin embargo cuando llegue al punto de revisar las publicaciones sobre la 3er obra analizada, nadie había abordado como el espacio fungía una función específica en las obras de Lozano Hemmer, no encontré quien hablara de que la funcionalidad de sus piezas es a base de que se dan en exposiciones masivas, (museos), en los que sin la participación de la gente no estarían completas por la cuestión de la interactividad, fue entonces que me di cuenta que inconscientemente esto es lo que he aprendido sobre la teoría de la posmodernidad que es que:

  1. Duramos todo un semestre analizando obras y en ningún momento nos pusimos de acuerdo para poder analizar la misma obra por el mismo medio.
  2. La tecnología, el pos humanismo, entre otras cuestiones científicas era tema recurrente en cada una de las piezas, y no solo eso sino que era de los temas que más participantes tenían.
  3. Dentro de las tres obras mis investigaciones eran lo más alejadas a la tecnología y no por eso eran consideradas fuera de un análisis posmoderno.
  4. En las tres obras podemos ver temas tales como el capitalismo, los gustos por poseer y adquirir tal o cual cosa, lo vemos en “Cosmópolis”, Erick quería poseerlo “todo”, en “ways of something” Lorna quería poseer un video que no era suyo, el de John Berger y el de cada uno de los artistas que participaron en ello, hasta en la obra de Lozano  Hemmer, “último suspiro”, antes de que se convirtiera en esta habitación en la que respiras el aire viciado por todos los usuarios de esa habitación, la obra era poseer el último aliento de alguien, incluso cuando esta persona muriera, es más la obra en la que se convirtió esto, también era una cuestión de poseer, poseías todo el dióxido de carbono que todos en la habitación exhalaban, y al respirarlo lo adquieres.
  5. En las tres obras se aborda la tecnología como aspecto fundamental para abortar temas humanos, ya sea religiosos, sociales o de salud y ciencia, respectivamente con las tres obras, Cosmópolis, ways of something y las obras de Lozano Hemmer (como ya lo abordamos antes).
  6. En las tres obras también se maneja un lenguaje simbólico, que es universal, generando así una idea de aldea global en la que todo el mundo tiene las mismas cualidades para poder entender este lenguaje.
  7. En las tres obras también se trata la decadencia, en algunas más visible y aparente que en otras, por ejemplo en Cosmópolis toda la vida de Erick es decadente, todo termina, su poderío, su economía, hasta su vida misma tiene fecha de caducidad, en ways of something vemos como un video de John Berger termina como la narración de un video sacado de la red donde un muchacho brinca con un pene digital gigante, es decadente escuchar las maneras de ver, que habla de arte al tiempo que visualmente digieres ese tipo de imágenes, y vemos la decadencia no tan evidente en las piezas de Lozano Hemmer en el aspecto que está tratando de poseer al ser humano después de la muerte, guardar un soplo de alguien que ya no vive, de llevar más allá las posibilidades de por mas naturales y humanas, así como el hecho de que en un futuro el arte-tecnológico que maneja será obsoleto o más bien pasado de moda, como lo fueron en su época las pinturas rupestres, toda nueva tecnología expira.

Ahora puedo unir y entender como estas tres obras me ayudaron a entender la teoría de la posmodernidad.

Por: Fabiola Angélica García Nieves


https://objetoposmo.wordpress.com/2014/11/15/la-delgada-linea-entre-el-robot-y-el-humano/

https://objetoposmo.wordpress.com/2014/10/18/reporte-final/

https://objetoposmo.wordpress.com/2014/09/19/cosmopolis-y-la-concepcion-divina-de-la-tecnologia/

https://objetoposmo.wordpress.com/2014/09/19/la-concepcion-del-espacio/

https://objetoposmo.wordpress.com/2014/10/17/ways-of-something-final/

 

 

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Lozano Hemmer el artista conceptual

En esta investigación pretendo comparar a Lozano Hemmer con un artista conceptual, tomando de base dos de sus obras, estas serían:

“Pulse Room” (Almacén de Corazonadas) 2006 el pulso de las personas se va pasando de foco en foco creando patrones luminosos.

“Voice Array” (Matriz de voz) 2011 el participante utiliza un micrófono con el que graba su voz y genera una luz, que después de las 80 grabaciones que va guardando empuja por el altavoz la primer grabación.

Comenzando con la primera que podría compararse con el arte del objeto encontrado, ya que el material o la forma de la obra no está intervenido por el artista, esto me hace preguntarme ¿Dónde se encuentra el límite de que es lo que dentro de una obra se considera forma y qué es contenido? pues delimitando deliberadamente a las piezas de Lozano Hemmer puedo separar argumentando que la forma es todo lo que el espectador puede ver (en el caso de la primer obra seria los focos alineados en el techo de una habitación en específico, no delimito esta habitación ya que cambia según el lugar de la exposición) mientras que el contenido es todo el peso conceptual de la obra y el lenguaje de la misma (incluyendo su capacidad de hacer que los focos apaguen y prendan en “Pulse Room”).

“Pulse Room” cumple con las especificaciones del Ready-made según Octavio Paz, ya que “no postula un valor nuevo: es un dardo contra lo que llamamos valioso. Es critica activa: un puntapié contra la obra de arte sentada en su pedestal de adjetivos” (1973) primeramente porque lo valioso es la técnica y dentro de esta pieza no existe una técnica artística o algún genio artístico, la mayor parte de la técnica se da por parte de una programación, el genio o determinación de un ingeniero, no podemos agregarle los adjetivos de bella, de cuadrada en tiempo ya que cada vez que la apreciemos será totalmente diferente porque depende de la participación de los espectadores para funcionar y formar imágenes llenas de patrones, además de que pierde este encanto o aura que posee toda obra que se encuentra en un museo, ya que el espectador no asiste a este a contemplar la pieza, asiste para colaborar con ella, para completarla, así que esa “aura” intocable desaparece, ya que es una pieza interactiva; los objetos de los que está elaborada son focos, son objetos prediseñados con una utilidad, no los creo el artista, sencillamente se apropió de ellos y les quito su utilidad para volverlos una obra.

“Voice Array” no solo es comparable con un ready-made, ya que el artista no utiliza ningún objeto material que exista antes de su pieza, sin embargo utiliza como objetos de arte las voces de los participantes, esta pieza la podría comparar más con las obras de Helio Oiticica, quien inicio con el cambio entre espectador a participante y cambio el rol del artista que de creador paso a ser el iniciador del proceso creativo, creando con esto el parangolé, que no es más su técnica para hacer colaborar al participante en la obra dotándole de un espacio con el cual puede interactuar, de este mismo modo Lozano Hemmer brinda estos espacios de interacción con sus obras, y les permite a los participantes que tomen la decisión de entrar en el mundo de la obra o no hacerlo, la participación está ligada a una decisión y el artista no obliga al espectador a terminar la obra.

Es así como podemos concluir que Lozano Hemmer puede considerarse un artista conceptual, ya que su obra  es “de una manera general, independiente  de la habilidad del artista y de su maestría técnica. El objetivo del artista conceptual es hacer que su trabajo sea mentalmente interesante para el espectador” (LeWitt, 1967) puesto que el espectador cuestiona su participación dentro de obra y le permite ser co-creador de la misma.

 

Por: Fabiola García


 

Bibliografía:

LeWitt, Sol, paragraphs on conceptual art, en Artforum 1967, p82

Paz, Octavio, Apariencia Desnuda la obra de Marcel Duchamp, Alianza Editorial, España, 1989, p.31

 

 

Arte conceptual-Arte tecnológico

La línea de investigación que quiero abordar por medio de la obra de Lozano Hemmer es la colaboración del espectador para la realización de la obra, comparándola con el arte conceptual, utilizando a vario artistas por medio de la comparación y algunos textos para designar que el arte de Lozano podría considerarse arte conceptual, dejando lo técnico como un elemento más y no como lo primordial de la pieza, lo técnico solo se convierte en un canal para llegar al espectador y que este pueda participar y obtener el lugar de ser un participante.

“El arte es, de una manera general, independiente  de la habilidad del artista y de su maestría técnica. El objetivo del artista conceptual es hacer que su trabajo sea mentalmente interesante para el espectador”

 

 

  1. LeWitt, paragraphs on conceptual art, 1967, p82

Posibles lineas de investigación ciclo III

Mis tres propuestas de investigación serían las siguientes:

  1. Comparar el arte de Lozano con el arte conceptual y como el valor del espectador era quien completaba la obra, ya sea con una conciencia de participación y mucho esfuerzo como con las instrucciones de Sol Lewitt y la pieza de Lozano Hemmer donde diseñas con luces tu patrón favorito sobre la ciudad o cuando experimentan con el proyector que refleja hacia el piso, o solo con una conciencia de participación mínima, como  el arte objeto de Duchamp y las piezas de Lozano que detectan el movimiento.
  2. La evolución de algunas piezas de Lozano Hemmer como la de “el último suspiro”, y como fue evolucionando la idea hasta convertirse en una experiencia sensorial que no solo una persona pudiera experimentar y que solo lleve a los demás a verlo, avanzó hacia una pieza en la que la interactividad se vuelve masiva e inmediatamente reutilizable y todos los espectadores pueden participar en ella, (con sus debidas precauciones, claro).
  3. La tecnología dentro del arte así como el cruce del arte con otras disciplinas y la delimitación de cuándo puede seguir siendo arte y de cuando se vuelve solo una pieza tecnológica que entretiene pero sin contenido, así como evidenciar el hecho de que la mayoría de los artistas contemporáneos no son graduados de una licenciatura en artes visuales, sino que son personas de otras carreras que decidieron convertirse en artistas.

 

Apropiación en la era digital

En la actualidad el arte ha recorrido un camino histórico bastante extenso, desde que el concepto de arte se hizo presente, desde el arte griego, con la aparición del artista, pasando por el arte del renacimiento, el impresionismo, el faubismo y todas las demás vanguardias posmodernas y contemporáneas como el expresionismo, el cubismo, el minimalismo, el arte conceptual, el fluxus, el arte de los nuevos medios etc.

Cada una de estas vanguardias negando o reinventando el arte que se consideraba canon en esa época, sin embargo en nuestra actualidad al ser ya la historia tan basta se vuelve casi imposible que logremos negar algo de lo que ya existe innovando el arte, aun así como si todas las demás vanguardias no estuvieran basadas en las anteriores ya sea en contra, en favor o sencillamente cambiando algunas características.

Nuestro entorno cultural siempre domina en nuestras ideas, nuestro contexto genera que el arte sea una respuesta de nuestras necesidades sociales, es por eso que el arte de la apropiación que es “reutilizar partes de una creación artística, a menudo icónica, para generar una obra derivada”( Roberta y Stefano, 2013) tenemos el ejemplo de Richard Pettibone que en su obra se apropia de obras de Andy Warhol y trata la temática de la pérdida del artista y la importancia de este dentro del contexto de la obra, eso me lleva a pensar que eso sucede comúnmente con el arte de la apropiación ya que vez arte pop pero no puedes estar seguro de quien sea el autor.

Y si no es porque posee la firma de ambos artistas no sabríamos a quien pertenece, así mismo sucede en el video de ways of something en el que a pesar de que escuchamos a John Berger narrar todo el tiempo no podemos verlo y pasa desapercibido que él es el creador original del video, además de que la recopilación es autoría de Lorna Milles dejando de lado a todos los artistas que colaboraron en el mismo, es una muestra más de que en el arte de apropiación siempre sucede una pérdida de autoría.

 

Hoy en día podemos ver el arte de la apropiación no solo en la pintura o en el los medios digitales, sino que también lo podemos encontrar en la música, en donde es más común, podemos llamarle entonces el arte del remix, y de este término podemos decir que  existen bastantes estudios al respecto y que al igual que el arte como se comparte la historia podemos encontrar a dos artistas/recopiladores de material que han tratado el tema por ejemplo la película de Brett Gaylor que habla sobre el manifiesto del remix que dicta que los artistas tienen la cultura para crear y que el pasado siempre va a ir en contra de ello tratando de detenerlo.

 

O también tenemos a Kirby Ferguson con su video Everything is a Remix en el que demuestra como el título del video que todo lo que conocemos hoy en día es un remix de todo lo que ya existía por ejemplo los poemas dada, la música de cuatro tiempos etcétera, en estas dos obras vemos casi exactamente la misma información, (porque comparten historia) sin embargo son obras totalmente distintas que apropian la historia a lo que necesitan decir.

 

Eso nos demuestra que en esta era digital la apropiación de material es más común que la creación original (que en si vendría siendo la creación basada en el contexto social  del artista) como decía Picasso:

““Un buen artista copia, un gran artista roba”

 

Fabiola García

 


 

Bibliografia:

Bosco, R &Caldana, S.23 de septiembre de 2013. Blog El País http://blogs.elpais.com/arte-en-la-edad-silicio/2013/09/plagio-apropiacionismo-o-desconocimiento.html?cid=6a00d8341bfb1653ef019aff99fad2970c#comment-6a00d8341bfb1653ef019aff99fad2970c

 

 

Apropiación en el arte contemporáneo

La cantidad de temas de los que podría hablar el arte a pesar de ser extenso ya esta bastante sobre-explotado, sino no existirían los clichés, sin embargo hoy en día siempre habrá clichés que suelen ser muy interesantes y esto se debe al modo en el que son representados el modo en el que se sugiere sean digeridos.

La apropiación es tomar una imagen creada por alguien mas y volverla tuya cambiando algún elemento de la pieza, ya sea el contexto de creación, interviniendo la imagen, o interviniendo las condiciones de representación.

“Un buen artista copia, un gran artista roba” Picasso

A los artistas visuales que nos toco enfrentarnos en la contemporaneidad nos toca batallar con con la cantidad de escuelas clasicas, impresionistas, expresionistas, posmodernistas, etc. Y tienes que lograr hacer algo nuevo, siendo que todo lo que haces tiene que tener un respaldo teórico o artístico, como podrías lograr algo verdaderamente nuevo sino es por medio de la apropiación.

 

Fabiola García

Reapropiación, el arte de moda

El arte digital, el arte de los nuevos medios, el arte de la reapropiación, el arte remix, una unión entre estos tres tipos de arte en ways of something.

La historia ya es tan grande que no puedes crear nada nuevo, ni nada original, sería muy arrogante, ya no estamos en la época en la que el artista es el único con el poder creador y el que posee la verdad, por eso llego el arte de los nuevos medios para poder desmitificar al artista como único creador.  Ahora tienes que redescubrir las posibilidades de lo que ya existe es como la física cuántica todas las posibilidades de las artes crecen dependiendo de cada decisión que tomas y generas así una infinitud de posibilidades de interpretación, en la actualidad el arte es un juego de interpretación y normalmente el que más se divierte es aquel que puede encontrar mayor significado en alguna de las variables.

Así que mi línea de investigación es la variabilidad de la reapropiación. Usando de ejemplo a ways of something, ya todo sobre el arte está dicho simplemente hay que reinterpretarlo.

Buscare textos que hablen de los nuevos medios, y como estos te llevan a reinterpretar la  realidad a partir del medio que ulitizas.

Por ejemplo: McLuhan y Lev Manovich.

 

Fabiola Angélica García Nieves

ways of seeing Vs. Ways of something

¿Hay argumentos más fuertes en ways of something que en ways of seeing?

1. En ways of something a pesar de que en el audio dice que no puedes replicar, si puedes, es Internet a diferencia que en ways of seeing que en verdad la única manera de replicar es cambiando de canal, uno de los otros dos.

 

2. En ways of something tienes el poder de detenerlo y elegir como lo tomas , no solo tomarlo como cuando es en televisión.

 

3. Las maneras de ¨ver¨se van modificando a maneras de “algo” porque el arte se va experimentando de maneras mas completas que solo con la vista.

4. En ways of something ponen en práctica todo lo que dice John Berger de una manera mas global, por lo tanto mas accesible  e inclusiva.

 

5.La repetición y comercialización de una pintura le da mas valor a la original, en ways of something se demuestra como las imágenes se vuelven de dominio público y ya no compras la pintura, sino una playera  con la pintura y el valor del objeto material es el de una prenda de vestir, no de una reproducción de arte.

Fabiola García Nieves Equipo 4

Cronenberg en los objetos

Cosmópolis ha supuesto un reto de entendimiento para muchos, provocando devoluciones de dinero en cines por su supuesto sinsentido, sin embargo esto solo pone en evidencia la falta de análisis crítico de la gente hacia la narrativa visual y hacia el cine de arte, es sabido que Cronenberg es difícil de digerir pero en especial la cinta que nos lleva a este análisis es digna de reflexión, ya que tiene muchos logros de manera artística. Uno de los logros que tomaré de ejemplo en este escrito es la capacidad del director de convertir un simple objeto en un personaje y no uno cualquiera, sino uno que comparte el mismo nivel de protagonismo que el personaje principal. ¿Quién se iba a imaginar que la mejor inversión de Cronenberg en este filme era una limusina y no el contratar a Robert Pattinson?

Lo primero en este análisis es reconocer la importancia de la limusina dentro de la película:

  1. Es la primera en aparecer en escena, aún primero que el personaje principal.
  1. El 80-90% de la película se desarrolla dentro de ésta.
  2. El rol que juega dentro del filme la convierte en imprescindible, ya que no puede ser remplazada de ningún modo, al ser una pieza única de ingeniería y hecha sobre pedido, no significaría lo mismo si en vez de esta limusina Erick viajara en un lamborghini o en un Ferrari 250 GTO, la diferencia sería equiparable conque Erick fuera mujer y que en vez de que tenga la próstata asimétrica padezca cáncer de seno, o que sea un ser altruista y lleno de amor y bondad por los pobres, perdería sentido la obra.

El significado de la palabra personaje según el diccionario de la lengua española (2001) es  “cada uno de los seres humanos, sobrenaturales, simbólicos, etc., que intervienen en una obra literaria, teatral o cinematográfica.” Significado que acredita a la limusina como un agente que interviene en la película siendo un personaje simbólico, podría decirse que es el personaje mejor trabajado dentro del filme, después de Erick, de manera psicológica como visual. Todas las decisiones y cambios de ruta o trama abordados en la película en los que participa la limusina tienen mucha lógica según una personalidad muy elaborada que podemos entender si conocemos el contexto del personaje.

El origen: el nacimiento de este objeto está basado en los deseos y necesidades de Erick, ya que de no ser por su búsqueda de confort, poder, representación y omnipresencia laboral jamás habría existido, ya que es un ser hecho sobre pedido y al ser un ente único no puede justificarse a sí mismo de otro modo que no sea por la utilidad (la finalidad con la que fue construido) ya que no existe nada a lo que pueda compararse para poder definir y excusar su ser. Este tipo de personalidad tiende a resultar autodestructiva, si no sirve para rendirle honor a su utilidad no debería de existir, sin embargo en este filme dadas las condiciones que delimitan al personaje, como por ejemplo ser indestructible, convierten este resultado en un imposible así que  al no poder destruirse a sí mismo tiene que destruir a la otra parte que evidencia su falta de funcionalidad y critica su existencia.

Dentro de la trama: el papel que desempeña la limusina es el medio, ella es el medio por el cual Erick va a conseguir lo que quiere, que es atravesar la ciudad (el día más caótico para hacerlo, ya que hay visita presidencial) para poder conseguir un corte de pelo en su peluquería favorita, es su medio para demostrar que su deseo más nimio es más importante y tiene más valor  que la visita de un  poder político, es quien le permite llegar a salvo a su destino. Durante el filme vemos el testimonio de la limusina al ser testigo de la exposición intima de su amo, ya sea en sus actos inmorales o en sus revisiones médicas diarias, es su consuelo tras la muerte de su rapero favorito, es ejemplo y sustento de sus teorías filosóficas y económicas, es su mayor guardaespaldas porque es quien mayor seguridad le puede brindar, más que alguien mortal, aguanta todo el viaje a través de la ciudad solo por un capricho de su amo, se convierte en una extensión de él ya que le provee de todas las tecnologías y las pone a su inmediato alcance, como si fuera un “mecha” de manga (comic japonés), se convierten en uno solo mientras él está dentro de ella, pero ella es autónoma mientras esto no sucede, de estas separaciones momentáneas  nacen todas las inseguridades de ésta, cada vez que él está fuera de sus posibilidades de cuidado la aborda la incertidumbre de su utilidad (como una enamorada celosa) y es en este punto el clímax de su conflicto, en uno de esos momentos de separación su amo fue afectado, fue lastimado hasta el ego con un vigoroso pastelazo, no pudo ser capaz de protegerlo, estaba fuera de sus manos hacerlo, sin embargo como su existencia está basada en su utilidad, ser testigo de su falta de ella la lleva a una confrontación de dos realidades, una en la que es incapaz de encontrar una razón o justificación para su existencia y por lo tanto no debería de existir y la otra en la que no existe evidencia de su falta de utilidad, ya sea por instinto de supervivencia o en realidad por su falta de poder de autodestrucción por ser prefabricadamente inmortal o porque no tiene tiempo ni la capacidad de corregir sus errores antes de que su día de vida se termine y tenga que ser resguardada se decide por la segunda realidad, la traición es más admisible que la inexistencia en vida, por algo los nihilistas se suicidan, así que la limusina se hecha a dormir dejando a su amo indefenso y en las fauces del lobo, lo lleva con falsas promesas de seguridad, y lo deja varado en el camino, lo acerca y encamina a la muerte mientras que ella es protegida por un ente mayor, un garaje, la finalidad de la segunda realidad es destruir la evidencia de su inutilidad, si no puede protegerlo tiene que destruirlo.

La personificación de un automóvil en un filme de Cronenberg no es la primera vez que aparece, lo podemos ver en la película Crash en donde los automóviles fungen también como personajes, ya que el deseo sexual que muestran por ellos y la excitación que provocan es como si fueran personas, además de que pasa lo mismo que en cosmópolis, protegen, emocionan, consuelan y son testigos y participes del acto sexual de los seres humanos. No solo Cronenberg utiliza maquinas como actores dentro de sus filmes, también podemos contar a Matthew Barney dentro de los directores que utilizan máquinas para que jueguen el rol de personajes, en el cremaster 3  los automóviles toman justicia dentro de la sociedad y hacen lo que es necesario hacer a su criterio, y por lo mismo poseen razonamiento y capacidad para decidir.

Un teórico que me lleva a argumentar es McLuhan al decir:

“Toda la tecnología tiende a crear un nuevo entorno humano… Los entornos tecnológicos no son meramente pasivos recipientes de personas, son procesos activos que re-configuran a las personas y otras tecnologías similares.”

Herbert Marshall McLuhan

La existencia de la limusina re-configura el entorno de Erick y permite una lectura diferente como el hecho de que un sencillo objeto pueda pasar como un personaje de la narrativa de Cronenberg, retomando la idea del “mecha” (para una referencia más inmediata la película de Guillermo del Toro “Pacific Rim” o el anime “Neon Genesis Evangelion” del director Hideaki Anno) como un recipiente pasivo de las personas, el equivalente a un automóvil, en realidad no es solo un contenedor que te permite viajar es también un objeto que te reconfigura, que interviene en tu futuro, en las personas que conoces, en lo que los demás piensan de ti, se convierte en un sistema una extensión tecnológica que mejora tu vida, es un medio de interacción con el mundo, es capaz de modificar lo que existe a tu alrededor por una voluntad propia, probablemente la película de cosmópolis es el resultado al verdadero miedo de que el ser humano sea capaz de crear una tecnología tan perfecta/imperfecta que le extermine por su vulnerabilidad y su imposibilidad de justificar su existencia o con una capacidad de razonamiento en el que es imposible que un ser inferior (mortal y finito) sea su creador.

 

 

Por Fabiola García